A Ilha dos Mendigos

Melhores de 2011 - Músicas Internacionais

2012-01-26T14:09:00.000-08:00

#01 - Lights Out, Words Gone - Bombay Bicycle Club

#02 - Somebody That I Used To Know - Gotye feat. Kimbra

#03 - Lonely Boy - The Black Keys

#04 - Brick By Brick - Arctic Monkeys

#05 - Get Away - Yuck

#06 - ÜBerlin - R.E.M.

#07 - Pumped Up Kicks - Foster The People

#08 - Arlandria - Foo Fighters

#09 - This Is Why We Fight - The Decemberists

#10 - Benediction - Thurston Moore

Melhores de 2011 - Músicas Nacionais

2012-01-26T11:25:00.000-08:00

#01 - Corpo Fechado - Pública

#02 - Silêncio - Los Porongas

#03 - Quando O Mar Não Vem - Quarto Negro

#04 - Num É Só Ver - Emicida e Rael Da Rima

#05 - Micropontes - Lê Almeida

#06 - Com A Ponta Dos Dedos - Wado (part. de Marcelo Camelo e Mallu Magalhães)

#07 - Um Passo Por Vez - Jair Naves

#08 - Se Tiver Que Ser Na Bala, Vai - Vanguart

#09 - A Maré Nenhuma - Nuda

#10 - Tempo De Pipa - Cícero

Melhores de 2011 - Discos Internacionais

2012-01-26T09:25:00.000-08:00

#01 - Collapse Into Now - R.E.M.

Top 3

ÜBerlin
Oh My Heart
All The Best

#02 - The King Is Dead - The Decemberists

Top 3

This Is Why We Fight
Down By The Water
Rise To Me

#03 - What Did You Expect From The Vaccines - The Vaccines

Top 3

All In White
If You Wanna
Post Break Up Sex

#04 - Suck It And See - Arctic Monkeys

Top 3

Brick By Brick
The Hellcat Spangled Shalala
She's Thunderstorms

#05 - Smoke Ring For My Halo - Kurt Vile

Top 3

Baby's Arms
Jesus Fever
On Tour

#06 - Yuck - Yuck

Top 3

Get Away
The Wall
Shook Down

#07 - Wasting Light - Foo Fighters

Top 3

Arlandria
Bridge Burning
Dear Rosemary

#08 - Noel Gallagher's High Flying Birds - Noel Gallagher

Top 3

If I Had I Gun...
The Death Of You And Me
AKA... Broken Arrow

#09 - The King Of Limbs - Radiohead

Top 3

Lotus Flower
Codex
Morning Mr. Magpie

#10 - A Different Kind Of Fix

Top 3

Lights Out Words Gone
Shuffle
Your Eyes

Melhores de 2011 - Discos Nacionais

2012-01-26T07:53:00.000-08:00

No início da semana, o Scream & Yell divulgou a lista (diga-se de passagem, a mais completa e interessante do Brasil) com a votação dos melhores de 2011. Participei pela segunda vez. Os votantes indicaram 5 nomes em cada categoria, mas aqui no blog me estendo um pouco e coloco meu ranking completo, com 10 discos nacionais, 10 internacionais, 10 músicas nacionais e 10 internacionais. Começamos com os discos nacionais, clique no nome do álbum para fazer o download ou ouvir online.

#01 - O Segundo Depois do Silêncio - Los Porongas

Top 3

Silêncio

A Verdade

Mais Difícil

#02 - Desconocidos - Quarto Negro

Top 3

Quando O Mar Não Vem

Vesânia II (Delírio Mútuo)

Do Medo Ao Medo

#03 - O Destino Vestido De Noiva - Fábio Góes

Top 3

Frágil

Tão Alto E Fora Do Lugar

Domingo E As Plantas

#04 - Direito De Ser Nada - Violins

Top 3

Rumo De Tudo

Forasteiros

Medo De Dar Certo

#05 - Canções De Apartamento - Cícero

Top 3

Tempos De Pipa
João E O Pé De Feijão
Açúcar Ou Adoçante?

#06 - Doozicabraba E A Revolução Silenciosa - Emicida

Top 3

Num É Só Ver
Cacariacô
Licença Aqui

#07 - De Verdade - Nevilton

Top 3

Pressuposto
Tempos De Maracujá
Delicadeza

#07 - Nó Na Orelha - Criolo

Top 3

Não Existe Amor Em SP
Grajauex
Bogotá

#09 - Boa Parte De Mim Vai Embora - Vanguart

Top 3

Se Tiver Que Ser Na Bala, Vai
Das Lágrimas
Depressa

#10 - Peixe Homem - Madame Saatan

Top 3

Respira
Fúria
Até O Fim

Retrospectiva 2011 da Folha da Região - Música

2011-12-31T09:48:00.000-08:00

Fui convidado pelo camarada Márcio Bracioli para comentar algumas coisas que marcaram o mundo da música em 2011. Obviamente faltou falar de muita coisa (mercado independente em geral, o caso Fora do Eixo...) e outras acabaram ficando de fora na edição final (Amy Winehouse, boom do rap nacional...), mas o bate papo com o próprio Márcio, Natalí Garcelan e Luiz Fernando foi bacana. Valeu Marcião!

A Banda Mais Bonita Da Cidade?

2011-11-26T08:57:00.000-08:00

Se 6 meses atrás você esteve por um momento conectado a internet você sabe do que se trata A Banda Mais Bonita Da Cidade e o clipe de “Oração”. O vídeo, que nesse exato momento ultrapassa 8 milhões e 300 mil acessos, tornou em pouquíssimo tempo uma banda praticamente desconhecida em fenômeno da web. Mês passado, com a poeira devidamente baixada, o grupo curitibano lançou seu primeiro disco.

Demorei para ouvir. O impacto, em mim negativo, de “Oração”, me fez postergar a audição do trabalho. Como disse, o webhit não me agradou. Apesar do clipe ser muito bonito e bem produzido (meio chupado do Beirut, mas ok) a música é repetitiva a ponto de torrar a paciência e excessivamente “fofinha”, com toda aquela atmosfera neohippie, ou hipster, cheirando a leite com pêra.

No entanto, adoro ser surpreendido (quem não?), e fui com boa vontade (juro) ouvir o disco. “Mercadorama” abre o disco com um experimentalismo um pouco carregado, remetendo aos primeiros discos do Pato Fu. Já de cara podemos perceber que a produção é cuidadosa, tudo no seu devido lugar, o que nem sempre é bom.

“Aos Garotos De Aluguel”, do Poléxia, surge em boa versão, inferior a original, mas interessante. Por outro lado, vai ficando a impressão que muitos recursos são utilizados a todo momento: crescendos, instrumentos sumindo e voltando, mudanças de andamento... chega a parecer que é uma questão de auto-afirmação, como se fosse uma alternativa para “compensar” a fofura.

Contrariando a impressão anterior, “Boa Pessoa” é uma balada muito bonita levada no violão. Simples e com uma bela melodia. “A Balada Da Bailarina Torta” e “Oxigênio” são milimetricamente dissonantes e... tortas. A primeira flui bem, já a segunda pesa mais uma vez no excesso de informação.

“Ótima” é lenta e atormentada. Remete à métrica de músicas do Radiohead, como “Exit Music (For A Film)”. A lembrança da banda de Thom Yorke não é em vão, já que “Canção Pra Não Voltar” tem a introdução de “Let Down” dos ingleses. Não, não apenas parece, é exatamente o mesmo início da música do Radiohead. Aliás, o dedilhado é melhor que todo o resto da música dos curitibanos.

“Solitária” e “Nunca” são mais duas músicas arrastadas. Não empolgam. “Se eu Corro” é mais um exemplo de simplicidade que funciona. Boa parte da música é só com um violão, no final uma explosão para então encerrar, novamente, só com o violão.

A já citada, “Oração”, aparece com algumas mudanças, já que a versão que tornou a banda conhecida havia sido feita para o clipe, sonorizada durante a gravação. Sem o impacto visual a música perde um pouco de força, mas é interessante como ela soa bem melhor que antes quando comparada, em sua simplicidade, com algumas firulas presentes em outras canções do disco.

“Cantiga De Dar Tchau” encerra o disco. Com metade da música cantada sem acompanhamento, a bela voz de Uyara Torrente se destaca, mas a música é curta, realmente para dar tchau.

No final, fica a impressão que A Banda Mais Bonita Da Cidade é um cruzamento, não tão bem sucedido, entre o experimentalismo agridoce do Pato Fu e a quarta-feira de cinzas que nunca termina do Los Hermanos. Tudo isso turbinado por uma melancolia torta muitas vezes descabida, quando no final das contas poderia ser simplesmente um disco bonito e sem vergonha de ser pop.

A boa resenha do disco publicada no Scream &Yell traz uma visão quase que totalmente oposta a minha, interessante ver os dois lados.

Pearl Jam ao vivo no Morumbi, São Paulo, 04/11/2011

2011-11-17T13:32:00.000-08:00

foto: Karen Loria

Texto originalmente pulicado no Scream & Yell

Em dado momento do show do Pearl Jam na sexta-feira (04/11), em São Paulo, Eddie Vedder anuncia “I Gonna See My Friend”, música em que o vocalista berra a ponto de explodir. No meio da execução, em um verso de vocal intenso, Vedder desce uma oitava, cantando em tom grave. Os mais exigentes pensam de imediato: “Ele não é mais o mesmo”. No entanto, como que respondendo as dúvidas, o último refrão vem arrasador, com a voz dilacerando os ouvidos mais sensíveis. Pronto, as coisas estavam no lugar novamente, como de costume na carreira do Pearl Jam. Quando parece que tudo vai ruir, a banda surpreende e as coisas se encaminham mais uma vez.

Voltando no tempo, nos anos 90, quando o grunge se tornou um nicho de mercado, o Pearl Jam recusou “tomar o lugar” do Nirvana, após a morte de Kurt Cobain, entrando em reclusão comercial (nada de clipes e ações de marketing mirabolantes). Comprou briga com a empresa de distribuição de ingressos Ticketmaster, com quem não trabalhou de 1994 a 1998, dificultando significativamente as turnês. Quando percebeu a pirataria e o interesse dos fãs por bootlegs, o Pearl Jam teve a inusitada atitude de lançar 72 discos ao vivo entre 2000 e 2001.

Após o fundamental “Ten” (1991), “Vs.” (1993), que consolidou a sonoridade do grupo, “Vitalogy” (1994), “No Code” (1996) e “Yield” (1998), a banda entrou naquele período ingrato em que vê a necessidade de soar diferente, de “amadurecer”. Dessa fase vieram “Binaural” (2000) e “Riot Act” (2002), felizmente mais sombrios do que caretas. Em 2006, no entanto, quando era aguardado mais um álbum reflexivo, o Pearl Jam aparece com um disco homônimo, barulhento, vigoroso e remetendo ao início da carreira. O que se confirmou, e com ainda mais força, em 2009, com o ótimo “Backspacer”.

Cortando de volta ao show de São Paulo, antes da citada “Gonna See My Friend“, já haviam sido executadas sete músicas. O começo arrasa quarteirão foi com “Go”, que só havia sido tocada duas vezes na turnê atual, seguida de “Do The Evolution”, “Severed Hand”, “Hail Hail” e “Got Some”. Quando o show parecia um trem descarrilhado, surge uma bela pausa para respirar com “Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town” e “Given To Fly”.

O show continua então com uma sequência que gradativamente vai trazendo o peso de volta: uma bela versão de “Wishlist”, com direito a um coro do público arrepiante no final, “Among The Waves”, “Setting Forth”, da carreira solo de Vedder, “Not For You” e, enfim, “Even Flow”. Com os ânimos exaltados, mais uma vez a banda dá meia volta e saca a balada “Unthought Known”, seguida das pedradas “The Fixer” e “Once”, e o fim do set normal foi com “Black”, que merece um capítulo a parte nessa história toda.

“Black” é a balada mais emblemática da carreira do Pearl Jam. Tocada, ainda hoje em dia, até pela banda do seu vizinho que tem como maior mérito se apresentar em festa de aniversário de amigos. É a música que aquela amiga, que não se importa muito, acha bonita (além de “Last Kiss”) e por isso diz que ama Pearl Jam, compra camiseta e tudo. “Se não tocarem nem vai fazer falta”, diz o fã orgulhoso de conhecer todos os b-sides possíveis da banda. No entanto, quando a execução de “Black” ia chegando ao fim, faltava camisa xadrez de flanela para enxugar as lágrimas dos grunge boys que cantarolavam o “tchururu” final como se não houvesse amanhã.

O Pearl Jam é uma banda que, mesmo com todo esforço em não se expor demasiadamente, alcançou um status curioso. Ao mesmo tempo em que é respeitada e idolatrada pelos órfãos do grunge, pode ser alinhada a bandas clássicas do rock mundial e ainda contar com grande apelo popular, a ponto de levar ao Estádio do Morumbi grande número de fãs de ocasião, que aguardaram a noite toda por “Black”, “Last Kiss” e se frustraram por não ouvir “Soldier Of Love”.

No primeiro bis, “Just Breath” e “Inside Job” introduzem calmamente a sequência encabeçada por “State Of Love And Trust”, a nova “Olé”, “Why Go” e “Jeremy”, que foi comemorada como um gol em final de campeonato, já que não havia sido tocada no show da noite anterior. O segundo bis começa, para a alegria de muitos, com a famigerada “Last Kiss”, em seguida uma versão longa e bonita de “Better Man”. “Spin The Black Circle” surge para colocar fogo no show novamente abrindo caminho para a clássica e sempre eficiente “Alive”, um cover tradicional do The Who, “Baba O’Riley” e o final redentor com “Yellow Ledbetter”, com os refletores do estádio acessos e o público em clima de celebração em família.

O Pearl Jam é uma daquelas bandas que gostam de desafiar a audiência. Quando pensam que o grupo vai dando sinais de fraqueza, lá está ele novamente surpreendendo. Que banda hoje em dia em cinco shows (a passagem pelo Brasil) toca 67 músicas diferentes? O tesão em tocar é nítido e talvez seja o ponto fundamental que garante a longevidade e o respeito que o grupo tem em diferentes nichos.

Kurt Cobain, contemporâneo de Eddie Vedder, viu na fama um monstro assustador e fez “Smells Like Teen Spirit”, o que só piorou as coisas. Vedder também sentia um desconforto e, ao invés de escrever sobre isso, escolheu a reclusão comercial, que de certa forma também não surtiu efeito. Não há como julgar essas escolhas como certas ou erradas. O que resta é que, felizmente, Eddie Vedder não seguiu o mesmo caminho do líder do Nirvana e pôde chegar aos 20 anos de Pearl Jam e continuar nos oferecendo momentos especiais… como este segundo show no Morumbi.

Leia no Scream & Yell sobre os outros shows do Pearl Jam no Brasil

Resumão Planeta Terra 2011

2011-11-06T09:08:00.000-08:00

Foto: Reinaldo Marques/Terra

Criolo: contradições a parte, musicalmente foda e com o público na mão

Obs: após o show, a tietagem em cima do cara era absurda.

Nação Zumbi: o bom show de sempre. Banda empolgada e e repertório certeiro.

Obs: Lúcio Maia ensandecido.

White Lies: competente, mas frio.

Obs: vocalista feliz com a recepção do público foi bonito.

Broken Social Scene: Peguei no final, que foi bem bom.

Obs: não conheço quase nada da banda.

Interpol: frio, e só.

Obs: Paul Banks de barba estava parecendo o ator que fez o Thor no cinema, antes do anabolizante.

Goldfrapp: vi o final, me pareceu bem empolgante.

Obs: outra banda que não conheço quase nada.

Beady Eye: peguei algumas músicas só, nas animadas a coisa ia, nas lentas morria.

Obs: Bring The Light foi foda!

Bombay Bicycle Club: o show incrível que quase ninguém viu.

Obs: que banda boa de palco, todas as músicas ficam empolgantes.

Obs2: estou perdidamente apaixonado pela Lucy Rose.

Strokes: peguei na quarta música. Contrariando expectativas o show foi foda.

Obs: Julian bebaço e Fabrizzio exercitando a canastrice soltando um "I love you".

Groove Armada: hein????

Obs: zzzzzzzzzzzzz

Depois posto um texto mais elaborado sobre o Planeta Terra e sobre o show do Pearl Jam, acho.

Sobre Coldplay e Mylo Xyloto

2011-10-24T14:11:00.000-07:00

Na última semana caiu na net o mais novo trabalho do Coldplay, “Mylo Xyloto”. O disco de nome estranho (que significa moinho de madeira, em grego) já havia sido parcialmente apresentado no Brasil quando a banda tocou no Rock In Rio, 7 músicas da nova remessa entraram no repertório.

Pegando carona no lançamento do álbum, segue uma lista com breves considerações sobre ta discografia da banda. No final, minha “escala Coldplay”, ou seja, os discos do grupo de Chris Martin em minha ordem de preferência.

Parachutes (2000)

O debut surgiu em um período em que 9 entre 10 bandas britânicas sonhavam em ser o Radiohead fase The Bends. E com o Coldplay não era diferente. Mesmo Parachutes sendo inferior a outros álbuns contemporâneos – como “The Man Who”, do Travis – é um bom disco. Boas canções melancólicas e desde já com um direcionamento mais pop.

Ouça: Yellow, Shiver e Don’t Panic

A Rush Of Blood To The Head (2002)

Depois do aclamado primeiro trabalho, o Coldplay já lança o segundo disco com status de “banda grande”. Em “A Rush Of Blood To The Head”, apesar das baladas serem ainda mais acessíveis (The Scientist, In My Place) que as do álbum anterior, algumas músicas com o clima mais angustiante (Politik, God Put A Smile Upon Your Face) fazem algo como uma “mea culpa” da banda em relação ao inevitável aprofundamento no som pop que a consagrou. A mistura funciona bem.

Ouça: The Scientist, Politik e Clocks

X&Y (2005)

O terceiro disco foi a primeira (e aparentemente irreversível) bola fora de Chris Martin e banda. Possivelmente devido ao sucesso que o grupo conquistou com os dois primeiros discos, em “X&Y” o referencial é definitivamente trocado: sai Radiohead, entra U2. E é aí que a coisa toda se perde. As guitarras são colocadas em segundo plano, sempre atrás dos teclados, o que mostra que os reflexos da banda de Bono Vox não são exatamente no som, e sim na megalomania. O resultado, no entanto, é anêmico. Canções arrastadas que, quando parecem atingir seu melhor momento remetem ao disco anterior.

Ouça: Speed Of Sound, Talk e X&Y

Viva La Vida Or Death And All His Friends (2008)

Ao ouvir pela primeira vez “Viva La Vida...” é inevitável constatar que estamos diante de um Coldplay totalmente diferente do despretensioso grupo de “Parachutes”, tempo em que Chris Martin não era alvo de paparazzis, não era casado com a atriz Gwyneth Paltrow e ainda não era um símbolo do “rock coxinha”. De toda forma, o disco tenta se redimir do tropeço no trabalho anterior. O clima continua com aspirações épicas, mas os sintetizadores saem de cena e as guitarras voltam – como fica claro na primeira música divulgada, Violet Hill – mas, acima de tudo, a qualidade das canções melhora em relação a “X&Y”.

Ouça: Violet Hill, Viva La Vida e Lost

Mylo Xyloto (2011)

Estamos em 2011. Coldplay já é uma banda mais que consagrada, headline de festivais gigantes e referência entre bandas bem sucedidas. Contrariando expectativas, fez um bom show no Rock In Rio e logo teve o disco novo disponível na net. O que esperar? Muitos fãs da fase “Parachutes”, já desistiram da banda, mas como a esperança é a última que morre, de repente pudesse dar um momento de loucura no Chris Martin e ele resolvesse retomar a carreira como era no início! Não, não foi isso o que aconteceu.

“Mylo Xyloto” é talvez o disco mais pop de toda a carreira da banda. Embora não tenha um hit realmente forte, como até o chatíssimo “X&Y” tinha, o disco é aparentemente inteiro pensado para não incomodar. Tudo muito “bonitinho”, “fofinho”. Com o perdão do machismo, é música para menina.

As músicas, com pegada eletrônica acentuada, soaram muito mais intensas no Rock In Rio. Para quem ouviu pela primeira vez Hurts Like Heaven no festival carioca, a decepção foi inevitável ao ouvir a versão de estúdio, cheia de barulhinhos importados dos anos 80 e bateria semelhante àqueles ritmos prontos de teclados amadores da Cássio.

Paradise aproxima o som ao de divas pop, como Rihanna, que não por coincidência participa de Princess Of China. Major Minus parece tentar trilhar um caminho diferente, mas não vai muito longe. Us Against The World é uma das baladas mais sonolentas de toda a carreira da banda. Por outro lado, Charlie Brown e Every Teardrop Is A Waterfall são dois exemplos de canções escancaradamente pop bem sucedidas.

Resumindo, se ainda restava alguma dúvida, o Coldplay definitivamente é uma banda pop e está feliz com isso. Afinal, uma carreira também é feita de escolhas. Se você espera um novo Parachutes, esqueça. A história agora é outra. A propósito, por onde anda o Travis?

Ouça: Charlie Brown, Every Teardrop Is A Waterfall e Don’t Let It Break Your Heart

Escala Coldplay

1) Parachutes

2) A Rush Of Blood To The Head

3) Viva La Vida Or Death And All His Friends

4) Mylo Xyloto

5) X&Y

Rock In Rio 2011 - Balanço

2011-10-09T15:46:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

Passando a régua de vez no assunto Rock In Rio, nada mais justo que um balanço com as melhores e piores apresentações. Não estive na cidade do rock em nenhum dos 7 dias de evento, mas acompanhei um parte considerável do festival pela TV/internet. Mais ou menos uns 80% do palco mundo e uns 70% do sunset (cálculo sem a menor precisão).

Segue a lista:

Palco Mundo

Melhores Shows

1) Stevie Wonder

2) Metallica

3) Coldplay

4) Janelle Monae

5) Red Hot Chili Peppers

Stevie Wonder foi imbatível. E não só pela banda afiada e o repertório matador.Wonder é o show. Seja na voz incrível ou na simpatia, o cantor interagiu e dominou o público do início ao fim da apresentação.

Menções honrosas: Shakira, Motorhead, System Of A Down e Skank. Isso sem contar Ivete Sangalo e Slipknot, que apesar de serem shows quase que opostos tiveram a mesma característica: bons de palco, mas as músicas...

Piores Shows

1) Ke$ha

2) Detonautas

3) Glória

4) Maná

5) Tributo ao Legião Urbana

Ke$ha foi um lixo em tantos aspectos que fica até difícil enumerar. A voz parecia sair de uma dessas máquinas que “conversam” com você. O visual dela e do palco foi milimetricamente bizarro, tudo para “chocar” e posar de fodona. A atitude dela no palco então... vergonha alheia é pouco para tanta pose.

Palco Sunset

Melhores shows

1) Mike Patton/Mondo Cane + Orquestra de Heliópolis

2) Sepultura + Tambours Du Bronx

3) Cidadão Instigado + Júpiter Maçã

4) Tiê + Jorge Drexler

5) Tulipa Ruiz + Nação Zumbi

O projeto do workaholic Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Fantomas…) é voltado para canções italianas das décadas de 50 e 60. Mas não pense em nada cafona ou muito comportado. As versões insanas de Patton casaram perfeitamente com a Orquestra de Heliópolis, que interagiu com o vocalista de maneira brilhante. A atração entrou no festival desconhecida e saiu aclamada, tal qual o Faith No More, do mesmo Mike Patton, no Rock In Rio de 1991.

Piores Shows

Como assisti menos shows do palco sunset, me limito a colocar apenas dois na lista de piores: Marcelo Yuka + Cibelle + Karina Buhr + Amora Pêra, a falta de entrosamento entre as cantoras resultou em momentos constrangedores, como o refrão de “Minha Alma”; Angra + Tarja Turunem, confesso que não morro de amores pelo Angra, mas basta ter a audição funcionando para perceber o quão ruim foi o show. Som horrível, Edu Falaschi desafinando horrores e até Tarja se perdendo e entrando fora do som devido ao retorno, que devia estar ainda pior que o som para o público.

E se você pudesse montar o seu próprio Rock in Rio?!

2011-10-03T15:28:00.000-07:00

Imagine se você pudesse escolher a escalação completa do Rock In Rio de acordo apenas com o seu gosto musical! Pois bem, nos moldes do festival carioca (carioca?!), abaixo você vê todo um line up baseado única e exclusivamente no MEU gosto pessoal, ou seja, desconsidere a dificuldade de todos esses artistas dividirem o mesmo evento e outros problemas.

No meu Rock In Rio a lógica dos palcos é a mesma, Palco Mundo e Palco Sunset (ignorei a tenda eletrônica e a rockstreet), apenas com algumas diferenças. Na minha programação, o palco mundo conta sempre com uma ou duas atrações nacionais e o resto é internacional. Já o palco sunset, ao invés de explorar parcerias inusitadas como no Rock In Rio real, a ideia aqui é escalar bandas/artistas (ao menos a maioria) que tenham uma sonoridade mais “leve”, como um aquecimento para as atrações do palco principal.

Pois então, segue o line up do MEU Rock In Rio. Daria um rim para ir a um festival como esse. Sonhar não custa, não é mesmo?! E você, se pudesse escalar o line up do Rock In Rio ou de qualquer outro festival, como seria?

SEXTA-FEIRA

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
Josh Rouse	Bob Dylan
Roddy Woomble	Wilco
Stornoway	The Decemberists
Beeshop	Vanguart
	Apanhador Só

SÁBADO

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
Bombay Bicycle Club	Neil Young
The Horrible Crowes	Arcade Fire
Lê Almeida	Manic Street Preachers
Céu	Wander Wildner
	Banda Gentileza

DOMINGO

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
James Blake	Radiohead
Gotye	Weezer
Jair Naves	Yuck
Cícero Lins	Cidadão Instigado
	Violins

QUINTA-FEIRA

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
Idlewild	The Cure
The Drums	The Killers
Cérebro Eletrônico	The Horrors
Curumin	Pública
	Quarto Negro

SEXTA-FEIRA

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
Two Door Cinema Club	Foo Fighters
Holger	Queens Of The Stone Age
Emicida	Grinderman
	Cage The Elephant
	Black Drawing Chalks

SÁBADO

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
Band Of Horses	Bruce Springsteen
Lissie	Social Distortion
Tulipa Ruiz	The Gaslight Anthem
Lucy Rose	Ash
	Los Porongas

DOMINGO

PALCO SUNSET	PALCO MUNDO
Noel Gallagher	Pearl Jam
Michael Kiwanuka	Arctic Monkeys
Fábio Góes	The Vaccines
Marcelo Jeneci	The Joy Formidable
	Nevilton

R.E.M. (1980 – 2011)

2011-09-27T09:44:00.000-07:00

O R.E.M. acabou. O anúncio oficial veio em uma quarta-feira qualquer, sem rumores antecipando o fato, ou ao menos não amplamente divulgados. Michael Stipe, Peter Buck e Mike Mills (e anteriormente, Bill Berry) formaram por 31 anos uma das bandas mais influentes e importantes dos últimos tempos e até de toda a história do rock.

Pode parecer exagero, mas te desafio a citar alguma outra banda que, por três décadas, andou de forma tão brilhante na linha, muitas vezes tênue, que separa o alternativo do mainstream; que soube se reinventar a cada disco, deixando um legado que não comporta nenhum album ruim, ok, Around The Sun (2004) é razoável, mas um disco regular do R.E.M. faz “clássicos” de muitos artistas soarem como a banda do seu vizinho adolescente.

Como bem disse Michael Stipe, na carta de despedida aos fãs: "a habilidade em ir a uma festa é saber a hora de ir embora". Considerando que o disco lançado esse ano, Collapse Into Now, é um dos melhores da carreira deles desde New Adventures In Hi-Fi (1996), é difícil crer que realmente era hora de parar. Mas cada um sabe seu tempo.

É difícil compreender a cabeça de amantes da música, como eu. Ficamos muito tristes em ver bandas se desfazendo em meio a um período de decadência. Dói ver carreiras brilhantes ficando irrelevantes bem na nossa frente e simplesmente terminarem. Por outro lado, ficamos igualmente tristes quando vemos o fim de uma banda como o R.E.M. que claramente ainda tinha muita lenha para queimar

Resumindo, somos egoístas. Queremos todas nossas bandas favoritas eternamente com vigor adolescente e com inspiração para sempre surpreender, ou ao menos envelhecer com dignidade e não, não abrimos mão de sermos surpreendidos uma vez ou outra que seja. Talvez esse tipo de banda ou artista nunca venha a existir, mas que o R.E.M. chegou muito perto, ahhh, isso chegou.

O folk doce de Lucy Rose

2011-09-19T09:26:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

Recentemente a banda britânica Bombay BicycleClub lançou seu terceiro disco, A Different Kind Of Fix. Um dos destaques doalbum é a música “Lights Out, Words Gone”, onde o vocalista Jack Steadmandivide os vocais com uma garota de voz suave e hipnotizante. Estamos falando deLucy Rose, uma jovem cantora inglesa de 21 anos que, além de emprestar os dotesvocais à banda de Steadman, tem suas próprias canções e em breve deve lançarseu primeiro disco.

O som é um folk pop bastante delicado. Nasede da busca por um par na música atual, Lucy é frequentemente comparada àLaura Marling, mas, puxando um pouco mais do fundo, a referência de JoniMitchell é bastante clara, óbvio que com o verniz da realidade em que vive, masalgumas vezes até o timbre vocal se assemelha com a autora do clássico Blue.

Lucy Rose, que antes já tinha participado deoutra música do Bombay Bicycle Club, a bela “Flaws”, do disco de mesmo nome,também excursiona com a banda fazendo os vocais de apoio. O single da cantorainglesa, já disponível no iTunes é “MiddleOf The Bed”, mas no site oficial dela é possível ouvir ainda a ótima “Bikes” e ainda versões ao vivo e remixes demais canções dela.

O som, delicado e repleto de belas melodias épredominantemente acústico, o que dá ainda maior destaque a voz de Lucy Rose,que assim como o rosto de menina e os olhos azuis da cantora, encanta, e deixa acerteza que coisa boa vem por aí.

Destaques Internacionais do primeiro semestre de 2011

2011-08-30T16:59:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

Continuando a proposta da coluna anterior, a lista agora é de lançamentos internacionais do primeiro semestre. Na verdade a lista avança um pouco já na segunda metade do ano, alguém se importa?

Vamos à lista:

Collapse Into Now – R.E.M.: Talvez o melhor disco da banda desde “New Adventures in Hi-Fi” (1996), não que nesse tempo o R.E.M. não tenha lançado grandes trabalhos, mas aqui a qualidade aumentou bastante. Equilibra o punch do disco anterior (“Accelerate” de 2008) com baladas inspiradas. O álbum conta com participações de Eddie Vedder, Peaches e Patti Smith.

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Ouça: ÜBerlin

Hard Times And Nursery Rhymes - Social Distortion: Desde 2004 sem lançar discos, o Social D. volta escancarando a influência do Rolling Stones, que até então era mais contida. Como um todo, o disco tem a mesma pegada do álbum anterior, “Sex, Love And Rock’n Roll”, mas com a adição de sensacionais backing vocals femininos em algumas músicas e os já citados ecos “stonianos”.

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Ouça: California (Hustle And Flow)

Thank You Happy Birthday - Cage The Elephant: Apenas agora, com o segundo disco, que essa banda de nome curioso passou a ser mais notada. Pense em um Nirvana de bermudas tocando Pixies com refrões emprestados do britpop. O resultado é vibrante. Resgata a aura grunge dos anos 90, mas não deixa de olhar pra frente.

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Ouça: Shake Me Down

The King Is Dead - The Decemberists: É algo como um disco inspirado do R.E.M com um acento country/folk. Nada de muito novo, o som remete bastante ao próprio R.E.M., mas com a qualidade das melodias e das canções em si não há como deixar esse disco fora de listas de melhores do ano.

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Ouça: This Is Why We Fight

The King Of Limbs – Radiohead: O disco foi bastante criticado por, realmente, ser um trabalho menor do Radiohead, mas ainda assim pérolas são achadas facilmente nesse complexo disco. Thom Yorke mesmo quando erra, acerta.

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Ouça: Lotus Flower

Wasting Light - Foo Fighters: É o disco que o Foo Fighters estava devendo há muito tempo. Pesado, mas com refrões grudentos. A produção de Butch Vig, responsável pelo clássico do Nirvana, “Nevermind”, parece ter pesado nos planos de Dave Grohl, que recrutou novamente Pat Smear, agora para ocupar a terceira guitarra na banda. E o interessante é que nenhuma guitarra sobra, as três são perceptíveis e ocupam seu devido espaço nas músicas.

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Ouça: Arlandria

What Did You Expect From the Vaccines - The Vaccines: Tido inicialmente como o novo Strokes, o Vaccines causou bastante alarde quando lançou seu primeiro disco, no início do ano, agora parecem ter dado uma esfriada em repercussão, apesar de estarem tocando em grandes festivais e colecionando elogios por essas apresentações. A banda funciona como um cruzamento entre Ramones, Joy Division e Jesus & Mary Chain. Pode não salvar o rock, mas garante momentos de pura diversão.

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Ouça: All In White

Yuck – Yuck: Filhos de Sonic Youth, Dinossaur Jr. e outras bandas dessa geração, o Yuck não traz nada efetivamente novo, mas as guitarras barulhentas e as boas melodias funcionam muito bem.

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Ouça: Get Away

Segue uma pequena lista com mais discos internacionais já lançados esse ano:

21 - Adele

Angles - The Strokes

Anna Calvi - Anna Calvi

Arabia Mountain – Black Lips

Belong - The Pains Of Being Pure At Heart

Big Roar - The Joy Formidable

Blood Pressures - The Kills

Born This Way – Lady Gaga

Brilliant! Tragic! – Art Brut

Cape Dory - Tennis

Circuital - My Morning Jacket

Codes and Keys - Death Cab for Cutie

Colour Of The Trap - Miles Kane

Content - Gang of Four

Demolished Thoughts - Thurston Moore

Demons - Cowboy Junkies

Different Gear, Still Speeding – Beady Eye

Dynamite Steps - Twilight Singers

Father, Son, Holy Ghost - Girls

Femme Fatale - Britney Spears

Gimme Some - Peter, Bjorn and John

Give The Drummer Some - Travis Barker

Goblin - Tyler The Creator

Hardcore Will Never Die, But You Will - Mogwai

Helplessness Blues - Fleet Foxes

Hot Sauce Committee Part Two – Beastie Boys

I'm With You - Red Hot Chili Peppers

James Blake - James Blake

Jeff Bridges - Jeff Bridges

Kaputt - Destroyer

Killer Sounds - Hard-Fi

Let England Shake - PJ Harvey

Lollipop - Meat Puppets

Make Your Own Danger - Alina Simone

Making Mirrors - Gotye

Mine Is Yours - Cold War Kids

Nine Types Of Light - TV On The Radio

Pala - Friendly Fires

Ritual - White Lies

Rome - Danger Mouse and Daniele Luppi

Several Shades of Why - J. Mascis

Skying - The Horrors

Sondre Lerche - Sondre Lerche

Submarine - Alex Turner

Suck It And See – Arctic Monkeys

Take Care, Take Care, Take Care - Explosions In The Sky

Tao of the Dead - ...And You Will Know Us By The Trail of Dead

The Harrow and The Harvest - Gillian Welch

The Impossible Song and Other Songs - Roddy Woomble

The People's Key - Bright Eyes

The Shepherd's Dog - Iron and Wine

Ukulele Songs - Eddie Vedder

Underneath the Pine - Toro y Moi

Union Town - The Nightwatchman

Valhalla Dancehall - British Sea Power

Vices and Virtues - Panic! at the Disco

Walk The River - Guillemots

Watch The Throne - Jay Z and Kanye West

Whatever's On Your Mind - Gomez

Who You Are – Jessie J

UPDATE

A Different Kind Of Fix – Bombay Bicycle Club: No meio tempo entre a publicação do texto no Portal Iradio e a postagem aqui, vazou o terceiro disco dos britânicos do Bombay Bicycle Club, atual banda queridinha aqui da casa. Depois de um primeiro disco vigoroso e um segundo bastante sutil, o BBC encontra um meio termo. Ainda há muito o que ouvir, mas logo de cara já dá pra perceber que trata-se de um grande disco.

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Ouça: Lights Out, Words Gone

Destaques do primeiro semestre de 2011 (Discos Nacionais)

2011-08-22T09:11:00.000-07:00

Estamos avançando pelo segundo semestre. As tradicionais listas de melhores discos do ano ainda estão distantes, mas alguns já despontam como favoritos. Enquanto outros chegam sem muito impacto, mas quando nos damos conta já é o nosso favorito.

Segue uma lista com alguns discos nacionais que destaco (em uma próxima coluna teremos a lista dos internacionais). É importante citar que algumas novidades surgiram na última semana: o Vanguart liberou para audição via facebook seu novo trabalho, “Boa Parte De Mim Vai Embora”; Erasmo Carlos lançou seu novo disco, “Sexo”; e o CSS também liberou para audição seu terceiro álbum, “La Liberación”.

Vamos à lista:

Nó Na Orelha – Criolo: Recebido com certa comoção pela crítica, o disco tem colecionado resenhas positivas e muitos elogios às apresentações ao vivo. A sonoridade tem um pé fincado no rap, nem tanto pelas rimas (que convivem harmoniosamente com boas melodias), mas sim pela estética e crítica social. Além disso há pitadas de reggae, música africana e tantos outros ritmos. Tudo com timbres refinados e produção cuidadosa.

Baixe aqui: http://criolo.art.br/criolononaorelhahotsite/

Ouça: Não Existe Amor Em SP

O Segundo Depois Do Silêncio - Los Porongas: Em seu segundo disco, a banda acreana se mostra muita mais segura e ousada. As letras, muito bem elaboradas saltam aos ouvidos, mas o som não fica atrás. A base é rock, mas com espaço para bons arranjos de metais, experimentalismos e belas melodias. O disco, no geral, é um tanto denso, o lado pop é um pouco tímido, mas o resultado é grandioso.

Baixe aqui: http://losporongas.baritonerecords.com.br/

Ouça: Silêncio

Canções De Apartamento - Cícero Lins: Já lembrado aqui nessa coluna, Cícero Lins lançou um daqueles discos que chega sem muito alarde. As canções são sutis, mas com personalidade. Canções de Apartamento é o disco que o Marcelo Camelo deveria ter lançado ao invés do irregular “Toque Dela”.

Baixe aqui: http://www.cicero.net.br/

Ouça: João e o Pé De Feijão

Mono Maçã - Lê Almeida: Lê Almeida é um músico carioca que já gravou dezenas de músicas no esquema mais caseiro possível. Seguindo a estética lo-fi, Mono Maçã tem 23 músicas, algumas não chegam a 1 minuto. As guitarras sujas envolvem melodias tão grudentas que é quase impossível não se pegar diversas vezes cantarolando um verso ou mesmo um riff.

Baixe aqui: http://transfusaonoiserecords.blogspot.com/2011

Ouça: Transporpirações

O Direito De Ser Nada – Violins: O Violins é uma banda de Goiânia com bastante tempo de estrada. Nesse sexto disco eles ainda não conseguiram superar seu melhor trabalho, “Tribunal Surdo”, mas é superior ao disco do ano passado, “Greve Das Navalhas. O som está mais enxuto que no trabalho anterior, mas o talento para melodias grandiosas e angustiantes continua intacto.

Baixe aqui: http://www.violins.com.br/

Ouça: Rumo de Tudo

Segue uma pequena lista (mais uma) com mais disco nacionais já lançados esse ano:

A Maré Nenhuma - Nuda

Chico - Chico Buarque

Clímax - Marina Lima

Comic Sans - Driving Music

Doozicabraba e a Revolucao Silenciosa - Emicida

Eu Sou do Tempo Que a Gente Se Telefonava - Bluebell

Humanish - Humanish

Memórias Luso Africanas - Gui Amabis

O Destino Vestido de Noiva - Fábio Góes

Odiosa Natureza Humana - Matanza

Que Isso Fique Entre Nós - Pélico

Seiva - Rancore

Skylab X - Rogério Skylab

Sonhando Devagar - Kassin

Sou Suspeita Estou Sujeita Não Sou Santa - Anelis Assumpção

Stinkin Like a Brazilian - Rubinho Troll

The Baggios – The Baggios

Toque Dela - Marcelo Camelo

Tropical Splash - Copacabana Club

Um Futuro Inteiro - Bonifrate

Um Labirinto Em Cada Pé - Rômulo Fróes

Volume 3 - Mopho

Bons sons, bons vídeos

2011-08-15T15:38:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

Quem: Cícero Lins

De onde: Rio de Janeiro

Clipe: Tempo de Pipa

Site: www.cicero.net.br/

Depois do fim da banda Alice, Cícero lançou este ano seu primeiro trabalho solo: “Canções de apartamento”. Um disco bonito, de personalidade e sério candidato às listas de melhores do ano. O clipe abaixo é da ótima Tempo de Pipa, primeira canção do disco e primeira música de trabalho do cantor. O vídeo é tão bom quanto a música, sem grandes pretensões, mas com um “clima” muito bonito. Uma boa dica para saber mais do cantor é a ótima entrevista que concedeu ao Scream & Yell.

Quem: Garotas Suecas

De onde: São Paulo

Clipe: Banho de Bucha

Site: www.bandagarotassuecas.com.br/

Banda paulistana que tem no currículo o EP Dinossauros e o disco, lançado em 2010, Escaldante Banda. Depois de arrancar elogios de boa parte da crítica e excursionar fora do Brasil, o grupo aparece com esse impagável clipe de Banho de Bucha, com participação do Jacaré, sim aquele do É o Tchan.

Quem: Emicida

De onde: São Paulo

Clipe: Então Toma

Site: www.emicida.com/

Esse rapper tem chamado atenção por onde passa. Seja pelas letras bem sacadas, as rimas ferozes ou pela incrível capacidade de improvisação. Aqui ele aparece com o clipe de Então Toma. Quase um curta metragem. As boas rimas habituais aparecem em meio a “atuações” interessantes e ótimos diálogos.

Quem: Nevilton

De onde: Umuarama/PR

Clipe: Delicadeza

Site: www.nevilton.com.br/

O trio, que leva o nome do vocalista e guitarrista, apresenta o clipe de Delicadeza enquanto o tão aguardado primeiro álbum não vem. O vídeo é tão singelo quanto a música. Intercala bonitas imagens com momentos mais irreverentes.

Nirvana: um show clássico e 20 pontos a se destacar

2011-08-06T16:03:00.000-07:00

Peguei esse vídeo no With Lasers. É o clássico show que o Nirvana fez no Rio de Janeiro em 1993, no Hollywood Rock. Destaco abaixo 20 pontos interessantes ao longo do show. Assista, vale a pena.

1) Início fodaço com School (02min56s)

2) Dave Grohl descendo o braço na bateria em Breed (11min35s)

3) Kurt Cobain desafinando absurdamente em In Bloom (15min26s)

4) A comoção do público com a introdução de Come As You Are (19min25s)

5) Kurt fumando ENQUANTO canta um verso de Love Buzz (25min25s)

6) Krist Novoselic zoando como se fizesse propaganda do Hollywood enquanto Kurt fuma (32min11s)

7) Primeira vez do vídeo em que são visíveis os olhos de Kurt (32min15s)

8) Kurt trocando a letra de Polly e Grohl se perdendo no backing vocal (43min12s)

9) Kurt cantando About a Girl absurdamente bem, ou seja, em In Bloom era zoação mesmo (35min09s)

10) Flea, do Red Hot Chili Pepers, tocando pessimamente um trumpete em Smells Like Teen Spirit (39min07s)

11) Primeira vez que a banda toca ao vivo Heart Shaped Box (55min35s)

12) Isso deveria ser um solo (58min47s)

13) Caos total, Kurt solando de frente com a caixa de som e cambaleando (01h04min30s)

14) Kurt cospe em uma câmera da Globo (01h07min22s)

15) Agora na outra (01h07min45s)

16) Kurt mostra o membro para a câmera, que tem a imagem cortada no exato momento, claro (01h08min42s)

17) Cuspiu nessa também (01h08min56s)

18) Dave Grohl aparece de sutiã (01h12min10s)

19) Kurt aparece de vestido e coroa (01h13min00s)

20) Kurt sai do palco engatinhando (01h27min15s)

Setlist

School

Drain You

Breed

Sliver

In Bloom

Come As You Are

Love Buzz

Lithium

Polly

About a Girl

Smells Like Teen Spirit

On a Plain

Negative Creep

Been a Son

Blew

Heart Shaped Box

Scentless Apprentice

Dive

Lounge Act

Aneurysm
Territorial Pissings

Um breve ensaio sobre a famigerada “atitude”

2011-08-02T15:39:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

Desde o início do rock’n roll, por volta dos anos 50, a palavra “atitude” é inerente ao estilo musical. Afinal, o caráter transgressor do gênero foi o que motivou sua existência. Quando começou, o rock rompeu padrões morais e garantiu um som que atendesse aos anseios da juventude, que até então compartilhava o gosto musical dos pais. Resumindo, os jovens, que antes ouviam junto com a família, comportadamente, músicas de Frank Sinatra e outros, viram em Chuck Berry, Bill Halley e no rebolante Elvis Presley algo que realmente traduzia o sentimento que tinham em relação ao mundo na época.

Dando um longo salto no tempo, chegamos a uma época em que a tão celebrada “atitude” perdeu totalmente o sentido. Para ilustrar, o CPM 22 já protagonizou uma propaganda de lâmina de barbear em que os integrantes da banda diziam algo como: “quem tem atitude usa essa marca!”. Isso sem contar o Chorão, do Charlie Brown Jr., talvez um dos maiores responsáveis pela banalização da palavra “atitude”.

Obviamente isso é uma análise simplista, por trás de todo percurso do desgaste do termo há uma forte lógica de mercado que rege diversos segmentos da indústria fonográfica. Como hoje tudo se vende, com a “atitude rock’n roll” a história não seria outra. Toda essa contextualização serve simplesmente para enumerar brevemente alguns exemplos de bandas e artistas que já tiveram atitude de fato, e não ficam apenas posando de subversivos. Importante ressaltar também, que a atitude a que se refere a coluna de hoje é ligada a proposta musical, a questão referente a ativismo político/social é tema para uma próxima vez.

Radiohead - Em 1997 o grupo britânico lançou Ok Computer, o disco que alavancou definitivamente a carreira da banda e é considerado como um dos albums fundamentais da década. Foi o momento em que o Radiohead viu o mundo pop aos seus pés, era a chance que tinham de seguir o caminho mais fácil, entregar discos mais do mesmo para os fãs e capitalizar muito em cima disso. Mas não. Em 2000 a banda decidiu simplesmente pirar e lançar seu disco mais complexo e anti-comercial até então, Kid A. Felizmente, fazendo justiça à decisão corajosa da banda, o disco foi ainda melhor em vendas que o anterior e deu fôlego ainda maior a carreira do grupo.

Bruce Springsteen – Situação semelhante a que aconteceu com o Radiohead ocorreu quase 20 anos antes com Bruce Spingsteen. Desde 1975, quando lançou o bem sucedido Born To Run, vinha colhendo os louros da fama. O duplo, The River, de 1980, vendeu 2 milhões de cópias. Até que, em 1982, surpreendeu a todos com o album Nebraska. Os fãs, acostumados com rocks de arena, se depararam com canções folk intimistas, levadas apenas com voz, violão e gaita. Bruce, que também era reconhecido por apresentações vigorosas, não realizou shows nesse período, preferiu usar o tempo para compor mais músicas.

Los Hermanos – Como representante nacional nessa pequena lista, o Los Hermanos é um bom exemplo a se citar. Depois do estrondoso sucesso radiofônico de Anna Júlia, seguida por Primavera, a banda se viu em uma situação complicada. Primeiro porque os dois singles não refletiam todo o som da banda, eram na verdade duas exceções no repertório. E ainda percebiam que não queriam trilhar nem o caminho das outras canções do disco. Foi quando apareceram com Bloco do Eu Sozinho, totalmente na contramão do disco anterior. Rock alternativo permeado com doses de samba e vários outros estilos. A gravadora, Abril Music, não gostou, devido ao caráter anti-comercial. O resultado de tudo isso é que o disco foi lançado, as vendas foram consideravelmente inferiores, mas a banda seguiu nesse caminho, conseguiu uma sólida carreira, influenciou dezenas de bandas independentes que não viam alternativa para os rumos do som que praticavam, e consolidou uma multidão de fãs fiéis como há muito não se via no rock brasileiro.

Com esses exemplos caímos ainda em outra questão: o propósito de reinvenção da arte. Em tempos que a música é, definitivamente, um produto, a necessidade de se reinventar e se arriscar em novos caminhos é ainda mais urgente. Afinal, qual é a função do artista se ele não tiver o desprendimento necessário para abandonar seu porto seguro e buscar novos ares? qual é a graça da arte se o artista se limitar a sua zona de conforto? Desprendimento, coragem, reinvenção. Isso é atitude!

Rock In Rio. Eu vou?

2011-07-25T15:05:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

“O Brasil, definitivamente, entrou na rota dos grandes shows internacionais”. Difícil calcular há quanto tempo essa frase é ventilada por boa parte da crítica e dos entusiastas do segmento. Independente do status que a afirmação carrega, o fato é que, nos últimos anos o número de bandas gringas se apresentando em terras tupiniquins aumentou muito. Tanto em apresentações isoladas quanto em festivais.

O bem sucedido Planeta Terra, de São Paulo, realiza em 2011 a quinta edição. O Natura Nós, também em São Paulo, vai se concretizando já com a terceira edição realizada neste ano. Em 2010 o Brasil viu nascer o SWU (Starts With You), proposta bastante ambiciosa de um festival unindo shows e um movimento sustentável, em Itu/SP. Em 2011, além dos três citados (Natura já aconteceu, Terra acontece em novembro, SWU também em novembro, mas dessa vez em Paulínia/SP), os brasileiros vão se deparar com um velho conhecido, o Rock in Rio.

Depois de três edições no Rio de Janeiro, quatro em Lisboa (Portugal) e duas em Madrid (Espanha), o festival idealizado e organizado pelo empresário Roberto Medina volta à sua terra natal com sete dias de shows: 23, 24, 25, 29 e 30 de Setembro e 1 e 2 de outubro.

Um dos pontos de maior discussão sobre os festivais brasileiros, e provavelmente nos estrangeiros também, é o line-up, ou seja, a escalação de bandas e artistas que vão se apresentar. O Natura Nós, em linhas gerais mescla música brasileira (Vanessa da Mata, Arnaldo Antunes, Céu, Karina Buhr) com artistas internacionais tidos como, digamos, pop refinado (Jack Jonhson, Air, Jamiroquai, Jamie Cullum). Já o Planeta Terra tem como base estrutural o indie (Pavement, Sonic Youth, Phoenix, Kaiser Chiefs), mas tem espaço para momentos nostálgicos do rock (Smashing Pumpkins, The Jesus And Mary Chains, Iggy And The Stooges) e aspirações pop (Lily Allen, Mika).

O SWU, com apenas uma edição realizada e com o line-up 2011 começando a se desenhar, acaba se tornando um misto de tendências, até por ser maior do que os outros citados, contando com pop (Joss Stone, Linkin Park), rock (Rage Against The Machine, Queens Of The Stone Age), indie (Yo La Tengo, The Apples In Stereo) e shows mais intimistas (Josh Rouse, Regina Spektor).

Na última semana o Rock In Rio 2011 definiu sua grade de shows completa. O Palco Sunset tem uma proposta interessante de fazer parcerias entre bandas e artistas nacionais e alguns internacionais, promete algumas boas surpresas. Terão também a tenda Eletrônica e o palco Rocktreet. Mas o que essa coluna se presta a comentar hoje é o Palco Mundo, onde as maiores atrações do evento vão se apresentar.

Sexta-feira 23/09 – Paralamas do Sucesso junto com Titãs é bastante condizente com o festival. Por mais que as duas bandas estejam em uma fase decadente, são representantes do rock nacional mais clássico. Vale lembrar que os Paralamas fizeram uma apresentação histórica no início da carreira, no Rock in Rio de 1985. O show de 2011 contará com participação de Milton Nascimento, mas o que assusta é Maria Gadú e Orquestra Sinfônica Brasileira perdidos nisso tudo. O dia que parecia de rock muda bruscamente para o pop com Cláudia Leitte, Katy Perry e Rihanna. Essas duas últimas devem levar grande público ao evento, e há chances de grandes performances. Para fechar a noite, Elton John, soando deslocado na programação, mas provavelmente será o melhor show da noite, musicalmente falando.

Sábado 24/09 – Um dia de rock, por mais que ele comece capenga com o NX Zero e continue sem muita expressão com o Stone Sour. Capital Inicial, para manter a aura do rock nacional viva, para o bem ou pra o mal. Snow Patrol, que se apresentou em 2010 no Natura Nós, e por fim, Red Hot Chili Pepers. As expectativas para o show dos caras é grande. Vão estar com disco novo na praça, os brasileiros vão poder conhecer o novo guitarrista, Josh Klinghoffer, e a banda vai poder se redimir do show anêmico do Rock In Rio 2001, um dos mais esperados e mais decepcionantes.

Domingo 25/09 – O dia do metal. Para manter o começo frouxo do dia anterior a primeira banda é o Glória, em seguida Coheed And Cambria, ainda com os motores em aquecimento. A partir daí a paulada começa. Motorhead, Slipknot e Metallica. Tirando o Slipknot e toda sua pose “olha como sou do mal”, as outras duas bandas já valem o ingresso.

Quinta-feira 29/09 – O dia extra do festival retoma a aura pop da abertura, mas com um certo refinamento. Orquestra Sinfônica Brasileira volta ao palco, dessa vez para tocar Legião Urbana com Dado Villa-Lobos e Marcelo Bonfá. Janelle Monáe e Jamiroquai abrem espaço pra o pop mais apurado (mais no caso da Janelle Monáe), enquanto Kesha o escancara novamente. Para fechar a noite, soando um pouco deslocado, assim como Elton John no primeiro dia, o grande Stevie Wonder.

Sexta-feira 30/09 – Mais um dia pop (outro?!). Começando verde e amarelo com Marcelo D2, Jota Quest e Ivete Sangalo, até que o line-up joga um balde de água fria na micareta com o sumido (e sem graça) Lenny Kravitz e termina com o requebrado hipnotizante de Shakira, pena que os marmanjos certamente não irão aguentar toda a programação do dia para babar nas curvas da moça.

Sábado 01/10 – Quando o show mais esperado em um dia predominantemente rock é de um rapper, algo está errado. Abrem a noite Frejat e depois Skank. Em seguida Maná (alguém lembra deles?). Jay-Z vem com a fama de fazer grandes shows. No fim da noite, Coldplay, com a chance de ser ofuscado pela atração anterior.

Domingo 02/10 – No último dia o foco é o rock. Detonautas, Pitty, Evanescence no início. O final, com expectativas de insanidade coletiva, tem o aguardado System Of a Down e Guns n’Roses. Este último fez um dos shows mais comentados do Rock in Rio 2001, marcando a volta da banda aos palcos depois de um longo hiato.

Resumindo, 3 dias voltados para o rock, 3 para o rock e 1 para o metal. Nenhuma atração é muito surpreendente. Alguns bons nomes, mas com passagens recentes pelo país como Metallica e Motorhead. Vale citar Stevie Wonder e Elton John como uma boa lembrança a um som mais clássico, Jay-Z pelo inusitado e Red Hot Chili Pepers pelo disco e guitarrista novo.

De toda forma, é bom saber que, enfim, o festival voltou ao Brasil, mas por outro lado, se pensarmos que na última edição em terras brasileira tivemos Neil Young, R.E.M., Foo Fighters, Oasis e tantos outros, bate um desânimo…

2011: o incrível ano em que o rock nacional sumiu

2011-07-18T15:59:00.000-07:00

Texto originalmente publicado no Portal Iradio

Os anos 90 e 00 tiveram uma característica em comum no cenário rock mundial, ambas as décadas começaram com uma espécie de “movimento”, constituído de bandas não muito semelhantes entre si, mas que acabavam entrando, por um motivo ou por outro, no mesmo caldeirão. E com o decorrer dos anos os rótulos iam se desintegrando até que tudo se bagunçava para o início da década seguinte.

Talvez movimento não seja a palavra, trata-se na verdade de um subgênero dentro do rock, esse foi o caso do grunge nos anos 90, com Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains, Soundgarden etc. Nos anos 00 esse agrupamento não teve um rótulo forte (forte?!) como o grunge, mas Strokes, Franz Ferdinand, Kings Of Leon, The Killers, Bloc Party entre outros eram frequentemente chamados de bandas do “Novo Rock”.

É claro que essa é uma análise simplista, pois a década de 90, por exemplo, não se resumiu às bandas grunge. O estouro do Nirvana trouxe consigo vários grupos de rock alternativo, que antes não tinham a menor visibilidade. Em meio a tudo isso teve o Radiohead, que começou sutil, mas tomou proporções enormes. E antes da fase Kid-A, arrebanhou dezenas de bandas com sonoridade similar. Isso tudo sem falar no Britpop.

No Brasil, o tempo do rock segue de maneira mais descompassada, o grunge não pegou por aqui, o novo rock iniciado em 2001 com o Strokes também não. Ao invés disso, nesses 20 anos (90/00) tivemos, inicialmente, os medalhões do rock nacional, advindos dos anos 80, como Paralamas do Sucesso, Ira!, Ultraje a Rigor, Capital Inicial. O Mangue Beat de Chico Science e Nação Zumbi e Mundo Livre S.A. que apesar da grande importância para a música, nunca obteve maiores resultados comerciais. Bandas assumidamente pop e com apelo comercial forte (Skank, Jota Quest), e aberrações comercialmente bem sucedidas como Charlie Brown Jr., Detonautas e Tihuana. Ainda tivemos Raimundos, Planet Hemp e Mamonas Assassinas.

Com a crise do mercado fonográfico, uso da internet como plataforma efetiva de divulgação, e ainda com a relativa facilidade atual de se conseguir gravar músicas em estúdio (ou home studio) com resultados satisfatórios, as bandas independentes brasileiras conseguiram maior visibilidade e seguem produzindo o que há de melhor atualmente no rock nacional. Importante citar o Los Hermanos, que com o segundo disco, Bloco Do Eu Sozinho (2001), mostrou para muitas bandas do underground que era possível fazer o som que desejavam, cantado em português.

No mainstream do rock (ou pop rock) brazuca, o CPM 22 “plantou” o NX Zero que originou o Restart. Depois do sucesso do emocore, com o já citado NX Zero e o Fresno, quem dá as cartas agora é o Happy Rock, ou os coloridos como Restart, Cine e Hori (que já acabou para Fiuk seguir carreira solo). A banda colorida mais bem sucedida comercialmente é o Restart, que apesar de vender bem, tem o público composto essencialmente por adolescentes e crianças, a ponto de até o consumidor médio de música no Brasil (que ouve Ivete Sangalo, Luan Santana, Vítor e Léo, Jota Quest…) ter preconceito com o som deles. Resumindo: hoje não existem bandas de pop rock nacional adultas que sejam realmente sucesso.

Apenas para ilustrar. Aqui em Araçatuba/SP, de onde esta coluna é escrita, 490km da capital, vai chegando ao fim a Expô Araçatuba, exposição agropecuária que conta com 10 dias de shows. Obviamente duplas sertanejas predominam na programação, é compreensível. Mas como o público é diverso, a grade de shows se presta a diversidade também, sobrando espaço até para bandas de rock, ou quase isso. Em 2006 tocaram Barão Vermelho, CPM 22 e Pitty. Em 2007, Jota Quest, Capital Inicial. 2008, NX Zero. 2009, Jota Quest, Capital Inicial e, vá lá, Roupa Nova. 2010, Roupa Nova e Hori. Agora em 2011 o representante do rock’n roll é… não há. Ok, o Oficina G3 é rock, mas acaba entrando na categoria “religiosos”. É preconceito dos organizadores com o rock’n roll? Não. Eles querem público e hoje não há uma banda de rock popular a esse ponto.

Já passamos um semestre dessa nova década e até agora não há sinais de algo interessante no rock nacional mainstream e nem de bandas independentes conseguindo maior visibilidade. Pelo contrário, o Superguidis, banda independente gaúcha da melhor qualidade, anunciou seu fim recentemente. Ou seja, bandas que deveriam estar tocando nas rádios e fazendo a cabeça da juventude estão terminando.

O que resta é continuar acompanhando o bom trabalho de várias bandas do underground, apoiar e torcer para que isso, no Brasil, não seja o triste fim desse negócio chamado rock’n roll.

Superguidis 2002 - 2011

2011-07-05T20:48:00.000-07:00

texto originalmente publicado no Scream & Yell

“A @Superguidis informa que encerra suas atividades, por interesses pessoais que conflitavam com os da banda.” Foi com esse tweet, do dia 23 de junho de 2011, que a Superguidis, uma das melhores bandas de sua geração, anunciou o fim dos trabalhos.

Em 2006, a revista Bizz, em uma de suas voltas, dessa vez sob o comando de Ricardo Alexandre, publicou uma espécie de guia intitulado: “13 Nomes Que Realmente Importam No Novo Rock”. Eram 10 internacionais e 3 brasileiros. Dos gringos, o único que realmente vingou e se tornou “grande” foi o Arctic Monkeys. Alguns tiveram seus momentos e continuam na ativa, como Wolfmother, Guillemots, We Are Scientists, Clap Your Hands Say Yeah e Hard-Fi, outros não tiveram muita visibilidade nem na época, como Hal, Los Alamos e Stephen McBean, por exemplo.

Entre os brasileiros, o Moptop foi bastante incensado naquele contexto, mas teve uma incursão não muito bem sucedida no mundo das grandes gravadoras. Com dois discos gravados, continua em atividade. O Supercordas manteve-se no underground e sustenta ainda um grande número de admiradores enquanto prepara um aguardado segundo disco. O último nome era de um tal de Superguidis, grupo gaúcho de Guaíba/Porto Alegre.

O texto da Bizz recomendava as músicas “Malevolosidade” e “Discos Arranhandos”. Na descrição dizia que o grupo era como uma mistura de Foo Fighters, Guided By Voices e Los Hermanos. Ouvindo “Malevolosidade” e pensando em um misto do lado mais power pop dos barbudos (“Cara Estranho”, por exemplo) com alguma guitarreira grudenta de Dave Grohl, até fazia sentido. Bastava, no entanto, ouvir o disco de estreia inteiro para ver que a língua falada ali tendia muito mais para o Guided By Voices.

Guitarras hora furiosas, hora dissonantes contornavam letras de temática adolescente cantadas com tanto potencial melódico que, ainda hoje, são difíceis de esquecer. Andrio Maquenzi (voz e guitarra), Lucas Pocamacha (guitarra), Diogo Macueidi (baixo) e Marco Pecker (bateria) traziam para língua portuguesa, sem perdas no percurso, um universo dos anos 90 povoado por Pavement, o já citado Guided By Voices, Yo La Tengo e outras bandas.

As letras do primeiro disco, auto-intitulado, são curtas e tratam de assuntos cotidianos de forma despojada, beirando o cafona: “olha o que eu trouxe pra enfeitar / maravilhosamente o seu lar/ paguei baratinho no mercado / e to pensando em colocar no quarto ao lado”, cantam em “Spiral Arco-Iris”.

No segundo álbum, “A Amarga Sinfonia do Superstar”, as guitarras aparecem mais encorpadas e a voz de Andrio potente como nunca. As letras ganham um tom levemente mais sério, o que desagradou uma parte da crítica. Disseram que a banda perdeu o frescor do debute e “amadureceu” demais. Embora o disco tenha realmente uma atmosfera mais melancólica, não é difícil encontrar lampejos do despojamento de antes nas letras: “Pra não estressar/ não esbranquecer os cabelos / e depender a vida toda de Wellaton”, dia a letra de “Apenas Leia”.

A música “Os Erros Que Ainda Irei Cometer” traz um verso que simboliza bem a forma como o grupo foi, de fato, amadurecendo, mas sem perder a aura jovial do início: “Pelos becos amontoados de silêncio / penso nos dias que ainda tenho pra viver / bicicletas aro 15, tênis com cheiro de chiclete / são o bastante pra me lembrar desses anos que voam sem parar”. Coincidentemente, ou não, várias músicas do disco resvalam na temática do passar do tempo, da nostalgia. A festeira “Riffs”, resgatada do início da carreira, surge como faixa escondida e funciona como um “não se desespere, ainda somos os mesmos”.

No terceiro álbum, novamente homônimo (mas conhecido por “3”), lançado em 2010, o início com a balada acústica “Roger Waters” choca. Mas por pouco tempo. Após 2 minutos e 11 segundos “Não Fosse O Bom Humor” traz possivelmente as guitarras mais altas da carreira dos gaúchos. O contraste das duas primeiras músicas dita a tônica do disco: guitarras altas e um mergulho ainda mais profundo na melancolia iniciada no trabalho anterior. O que aponta “A Amarga Sinfonia Do Superstar” como um disco de transição. Em 2010 a banda se mostra equilibrada, segura de si e, por que não, madura.

“Visão Além Do Alcance”, “Roger Waters” e “Aos Meus Amigos” trazem violinos. “As Camisetas” começa com ritmo truncado e cai no refrão que evoca comédias românticas pop: “Por que será que sempre chove toda vez que alguém te abandona?”. “Quando Se É Vidraça” e “Fã-Clube Adolescente” são mais rápidas e agitadas, ou como os próprios guidis definem: são “pau dentro”. “De Mudança”, do meio em diante, é Alice In Chains puro. “Casablanca” retoma o vigor enquanto “Nova Completa” traz altas doses de melancolia, mas nada comparado a “O Usual” com seu refrão corta-pulso: “De repente o medo de morrer sozinho me incomoda mais que o usual”.

A última música do disco, “Aos Meus Amigos”, não só resume o álbum, mas traz elementos presentes por toda a carreira da banda. Versos que remetem ao primeiro trabalho: “E a simplicidade de quem tem / um par de tênis furado”; a melancolia introduzida em “A Amarga Sinfonia do Superstar”; e a fusão entre guitarras e arranjos de cordas do terceiro. Tudo isso sem contar o belo refrão, outra marca do grupo. Uma maneira bonita, mesmo que inconsciente, de encerrar as atividades.

A Superguidis conseguiu captar como poucos o espírito adolescente em três discos. Para alguns, refletiram uma aura já não existente, saudosista. Mas é preferível pensar que eles traduziram o sentimento que poderia ser vigente na juventude atual. Um último EP, “EPílogo”, foi colocado para download gratuito na Trama Virtual com versões demo e ao vivo de faixas que iriam compor um novo lançamento do grupo, mas que ficaram pelo caminho atropelados pela incerteza do cenário independente.

Em entrevista à revista Rolling Stone, Andrio Maquenzi disse que a decisão pelo fim da banda foi tomada sem atritos. “Foi tudo muito tranqüilo. Somos, acima de tudo, brothers, amigos de longa data. O que aconteceu foi que cada um tem outros projetos pessoais e profissionais que estavam conflitando com os da banda”. Disse ainda que irá continuar com projetos musicais de antes como o Medialunas (com Liege Milk, do Loomer e Hangovers) e o Worldengine.

Andrio Maquenzi, Lucas Pocamacha, Diogo Macueidi e Marco Pecker deixam como legado os três ótimos discos, lançados entre 2006 e 2010, e a insatisfação em saber que bandas tão legais nascem e morrem no underground, tornando-se marcantes para alguns, mas desconhecida para tantos outros. É preciso repensar um cenário que não consegue comportar bandas como a Superguidis e tantas outras com enorme potencial para conquistar um grande público, mas que saem de cena sem o merecido sucesso. Se uma banda é reconhecidamente boa, lança grandes discos e faz ótimos shows, por que ela não consegue sobreviver fazendo música no Brasil? A culpa é do artista ou do cenário? Vale pensar nisso. E ouvir as músicas novas da Superguidis. Eles ainda tinham muita lenha pra queimar…

Virada Cultural 2011 em Araçatuba, minhas impressões

2011-05-17T19:25:00.000-07:00

She’s Lost Control, Canastra e Zeca Baleiro

Minha saga começou com o espetáculo de dança She’s Lost Control, da Cia. Vitrola Quântica. Conforme citei na postagem anterior, meu interesse na apresentação foi a inspiração em Joy Division, já que não tenho grandes afinidades com a dança (em vários sentidos), mas devo dizer que saí do teatro bastante impressionado.

O espetáculo começa com as três atrizes/dançarinas/bailarinas formando uma banda, mesmo, no palco. Baixo, guitarra e bateria fazem cerca de 5 minutos de pós-punk, e só então os movimentos epiléticos começam.

A atmosfera é tensa do início ao fim, com as três (bem bonitas, por sinal) se cruzando em manobras perigosas e descontroladamente perfeitas. Na trilha não toca efetivamente a música título, mas algumas citações assombrosas surgem inesperadamente.

No momento mais tenso, o som se assemelha a algum daqueles pesadelos em que corremos de algo indefinido, mas as pernas não obedecem e não nos tiram do lugar. Uma das garotas começa bater violentamente uma espécie de taco de hockey no chão e em determinado momento as três reiniciam os movimentos descontrolados, mas dessa vez arremessando o bastão uma para a outra. Qualquer erro, que felizmente não aconteceu, traria grandes problemas.

Pelo que pude observar não houve nenhuma baixa no público durante a apresentação. A hipnose coletiva foi bem sucedida. Saí do local bastante perturbado e imaginando como King Night, do Salem, se encaixaria muito bem na trilha atormentada, do espetáculo e da minha cabeça naquele momento.

Quando cheguei na praça Getúlio Vargas, o show do Swing Snake Blues já havia começado. O que posso dizer é que o clima era bom e a banda estava afiada. Um amigo disse que exageraram um pouco nas jam sessions, concordei, ao menos nas poucas músicas que pude acompanhar.

Sem atrasos o Canastra começou sua zorra em cima do palco. Logo de cara já mandaram “Chega de Falsas Promessas”, “Chevete Vermelho” e “Motivo de Chacota”. Nesse momento o público se dividiu. Metade estava ganho. A outra metade reclamava da voz anasalada de Renato Martins, mas ainda assim dançava.

O som saía muito bem definido das caixas e os metais deram um show a parte. Foi divertido, mas fico imaginando como seria insano um show deles em um ambiente fechado e para um público mais específico, no Pub Rock Beer por exemplo. Fica a dica.

Eis que se inicia o show mais esperado da noite, e talvez de toda a Virada: Zeca Baleiro. Devo confessar que a partir daí minhas impressões são um pouco nebulosas, resultado de uma mistura inusitada de (muita) cerveja, licor Amaretto (culpa do Douglas) e de um estômago tão vazio que quase corria uma bola de feno.

Zeca preferiu não arriscar e apostou em um repertório recheado de hits de sua carreira, o que já era previsível e aceitável em vista do público diversificado de uma Virada Cultural.

Estava tudo lá: “Telegrama”, “Lenha”, “Proibida Pra Mim” (urrrgh), “Babylon”, “Bandeira”, “Heavy Metal do Senhor” e tantas outras. O problema foi que, não faço idéia do motivo, o som, que soava tão cristalino no Canastra, estava um pouco embolado. Quando ficava no violão e voz, melhorava. Mas quando entrava a banda toda, tudo se misturava. Deixo claro que pessoas sóbrias concordaram comigo nesse aspecto.

De toda forma, o público pareceu bastante satisfeito. Como postei anteriormente, não sou grande entusiasta do Zeca Baleiro. Apostava no show, mas devido às circunstâncias, me mantenho da forma que estava antes da Virada, ainda no benefício da dúvida.

O Anderson fez um vídeo caprichado do show, um resumão de 30 minutos, confira abaixo. No blog dele também tem vídeos do Canastra e da Fafá de Belém.

Tulipa Ruiz

No domingo me programei apenas para a apresentação da Tulipa Ruiz. O show que mais esperei na virada. E minhas expectativas, que eram bem altas, foram superadas com louvor.

O público, como já esperava, não foi muito numeroso. Houve atraso de uns 25 minutos, mas sem grandes irritações, o clima era bem pacífico, parecendo até que introduzia a primeira música do show, a suave “Efêmera”. Após a banda toda entrar no palco e começar os primeiros acordes da música, Tulipa entrou e foi logo saudar o público.

Quando começou a cantar, o arrepio foi inevitável. Sua voz preenchia o silêncio do imponente teatro com uma delicadeza hipnótica. A banda, competentíssima, fazia sua parte, mas o público parecia não conseguir desgrudar os olhos da simpática vocalista.

A performance de Tulipa encanta por uma série de fatores. O primeiro, óbvio, a voz. Hora suave, hora firme e poderosa. Em alguns momentos romântica, em outros totalmente destrambelhada. O lado teatral da cantora é aplicado na medida, chama atenção, mas não soa forçado. E, por fim, a simpatia. O sorriso que parece não conseguir sair do rosto. Teve jogo de cintura para contar histórias enquanto trocavam seu microfone, no início do show, e para convidar todos a levantarem das cadeiras quando cantou “Brocal Dourado”.

“Pontual” mostrou a faceta mais pop do show, enquanto “Pedrinho” ganhou peso (vídeo abaixo). “Do Amor” foi um dos grandes momentos, bonita de chorar. A voz, na parte final, em que faz vocalizações em falsete, conduziu um final irretocável. A única música de Efêmera, seu primeiro e único disco, que não foi tocada foi “Sushi”. E ainda tiveram versões destruidoras de “Cada Voz” e a cover de Caetano Veloso, “Da Maior Importância”. O final, com “A Ordem Das Árvores”, foi o culpado por todos saírem do teatro cantarolando “Uhuu-Uhuu”.

Uma pena que o teatro não estivesse lotado, longe disso. Tulipa Ruiz faz o tipo de som que faria muito sucesso, se o mundo fosse justo. Mas a carreira da moça está apenas começando, espero ainda vê-la aqui mesmo, em Araçatuba, em um show lotado e com a carreira ainda mais bem-sucedida. De toda forma, independente de público, enfim, “acontece alguma coisa nessa tarde domingo”.

Virada Cultural 2011 em Araçatuba. Minha programação

2011-05-13T17:04:00.000-07:00

Nesse final de semana, 14 e 15 de maio, acontece a Virada Cultural Paulista 2011. Pra quem não sabe, a virada é... ah, você sabe, né?! Pois bem, todo ano traço meu roteiro do que vou (ao menos tentar) acompanhar aqui em Araçatuba. Segue abaixo a lista.

She's Lost Control – Cia. Vitrola Quântica

Horário: 20h30

Local: Teatro Municipal Paulo Alcides Jorge

“Inspirado na canção homônima da banda inglesa de pós-punk Joy Division, o espetáculo une elementos da literatura, psicanálise, música e artes plásticas para criar uma experiência diferente nos limites entre o controle e o descontrole, um jogo de tensões de corpos que se organizam e desorganizam, numa festa que nunca termina.”

Nunca gostei muito de espetáculos que envolvam dança, mas quando o tema em questão é a clássica She’s Lost Control, do Joy Division, a coisa muda um pouco de figura. Há grandes chances de não gostar, mas vale a tentativa.

Swing Snake Blues

Horário: 21h

Local: Praça Getúlio Vargas

“Original de Araçatuba, a banda de blues e southern rock incorpora em seu repertório composições de Eric Clapton, B.B.King, The Allman Brothers e outros grandes nomes. Com Lucas "Tchê" Gagliardi na voz, Fernando Antones e Iran Marcius nas guitarras, Raphael Martini no baixo e Leandro Jordison na bateria, a Swing Snake Blues revisita os clássicos desses estilos somando sua energia e tempero.”

Banda local que ainda não consegui pegar nenhum show. Tenho ouvido muitos elogios a respeito dos caras. Tudo bem que em um evento como esse o que eu queria mesmo ver é repertório autoral (não tenho certeza se o SWB tem ou toca sons próprios em shows), mas o som deles parece bom. Se bem que só verei na íntegra se realmente o She’s Lost Control não bater, do contrário pego na metade. Veremos.

Canastra

Horário: 22h30

Local: Praça Getúlio Vargas

“O grupo carioca apresenta ao vivo o repertório do CD "Chega de Falsas Promessas", que traz uma sonoridade tão diversa e inusitada que é capaz de agradar a todas as tribos, ou mesmo a quem não pertence a nenhuma delas. Canções que, de um jeito ou de outro (seja por forma ou conteúdo), têm tudo a ver com todo mundo. Porque, no fundo, todo mundo gosta mesmo é de boa música.”

Apesar dessa descrição babaca acima, o Canastra é uma banda bem bacana. Rodrigo Barba, (ex?) baterista do Los Hermanos comanda as baquetas do grupo. O som tem a ver com o Acabou La Tequila, antiga banda do vocalista e um dos nomes da maior influência no primeiro disco do próprio Los Hermanos, lembrando que Anna Júlia e Primavera eram exceções no álbum. Baseado nas músicas dos dois disco do Canastra “Traz a pessoa Amanda em 3 dias” (2004) e “Chega de falsas promessas” (2007), o show promete ser no mínimo divertido. E como o trabalho mais recente já tem 4 anos, fica a expectativa para que rolem músicas novas no show.

Zeca Baleiro

Horário: 0h

Local: Praça Getúlio Vargas

“O artista faz uma retrospectiva de sua carreira, em um show que reúne sucessos em versões contagiantes. O repertório traz criativas releituras de canções já consagradas como: Salão de Beleza, Telegrama, Você Não Liga Pra Mim, entre outras. Acompanhado de Tuco Marcondes (guitarras, violões e vocais), Fernando Nunes (baixo), Pedro Cunha (teclados e acordeom) e Kuki Stolarski (bateria e percussão).”

Provavelmente é a atração mais aguardada da Virada (ele e a Fafá de Belém). Confesso que não sou grande entusiasta do Zeca Baleiro, lembro de uma ou outra música que acho realmente boa, mas já ouvi falar muito bem de shows dele.

Obs1: 0h30, no teatro da UNIP, tem show de um cover do Queen chamado Bohemian Queen, mas vai ficar pra próxima.

Obs2: 2h30 tem um stand-up comedy do Renato Tortorelli no teatro da UNIP. Vi algumas coisas dele no youtube e achei absolutamente sem graça. Então, só vou se for embalado no fluxo.

Tulipa Ruiz

Horário: 15h

Local: Teatro da UNIP

“Sucesso de público e crítica, o disco de estreia de Tulipa foi considerado um dos melhores do ano pela revista Rolling Stone e um dos melhores da década pela Folha de S. Paulo. O repertório do show é formado pelas canções da cantora e a banda que a acompanha traz importantes instrumentistas da MPB, como Duani Martins, Marcio Arantes, Gustavo Ruiz e Luiz Chagas.”

Conforme postei aqui, Tulipa Ruiz é a responsável pelo melhor disco nacional de 2010, “Efêmera”, o show dela é a atração que aguardo mais ansiosamente na Virada. Pude vê-la de perto no Planeta Terra Festival, ano passado, mas o show não era dela, era do coletivo Novos Paulistas, do qual ela faz parte e protagonizou os melhores momentos da apresentação. Fico um pouco receoso de shows em um teatro grande como o da UNIP, o público tende a ficar mais retraído, o que, de certa forma, contribui com um caráter mais contemplativo, mas coloca em risco momentos mais “pra cima” do repertório. A pouca projeção comercial (especialmente no interior) de Tulipa e o horário do show podem fazer com o público não seja muito numeroso, o que seria uma pena enorme. A única coisa que digo é que, quem perder esse show vai deixar de ver em plena ascensão um dos talentos mais promissores da música brasileira atual, e isso não é pouco.

Obs3: Até faria um esforço para ver o show da Fafá de Belém, 17h na praça, mas tenho um compromisso com a TV: jogo do timão. #VaiCorinthians.

Obs4: Na próxima semana posto aqui minhas impressões gerais sobre a virada.

Wasting Light - Foo Fighters

2011-05-05T16:36:00.000-07:00

Dave Grohl é constantemente classificado como um dos gênios de sua geração. E não é para menos. Têm no currículo as baquetas do Nirvana, e esteve em ótimos projetos, como Them Crooked Vultures, Probot, tocou (e muito) no melhor disco do Queens Of The Stone Age, entre outros.

Mas a verdade é que, no Foo Fighters, sua principal ocupação, estava devendo um bom disco desde o One By One (2002). In Your Honor (2005) apesar de ter a incrível “Best Of You”, é um disco confuso e bastante irregular. E Echoes, Silence, Patience And Grace (2007) é sem dúvida o ponto mais baixo da discografia do grupo.

No entanto, enfim, Grohl arregaçou as mangas, cercou-se de referências certeiras e nos deu um belo disco, Wasting Light. No album, a banda usa sua melhor arma, canções com peso e vigor, mas totalmente palatáveis e com refrões descaradamente pop e assobiáveis.

É nítida a influência de trabalhos anteriores de Grohl, como QOTSA, Them Crooked Vultures e do próprio Nirvana. O revival grunge é acentuado pela produção de Butch Vig, responsável pelo lendário Nevermind, participação de Krist Novoselic em uma faixa (“I Should Have Known”) e a volta de Pat Smear à banda. Sim, agora são três guitarras.

Não há nada de realmente novo no disco, o que hoje em dia pode ser um problema. Por outro lado, a banda se alinha (mesmo que inconsciente) a uma espécie de retomada do grunge, que compreende a volta de nomes como Alice In Chains, Soundgarden e Stone Temple Pilots, e ainda uma nova geração que bebe nessa mesma fonte (Cage The Elephant, Yuck, Dinosaur Pile-Up).

Wasting Light já é o sétimo disco de inéditas do Foo Fighters, ou seja, a banda não é mais nenhuma promessa. Com isso, se continuar lançando discos como esse, mesmo que sem “olhar pra frente”, ninguém deve reclamar, vide ACDC, Motorhead e outros... a música continua.

Angles - Strokes

2011-04-27T19:46:00.000-07:00

Garanto que ninguém queria estar na pele do Strokes para lançar Angles. Só o fato de uma banda ser boa já traz cobranças em cada lançamento. Agora, junte isso ao fato da sonoridade do grupo em questão ser considerada um dos pilares musicais de uma década, e ainda o último disco ter sido lançado em 2006, há 5 anos, o que para o mundo pop é praticamente uma era.

O Strokes é relativamente grande, mas não é nenhum Guns'n Roses, que tem uma legião de fãs incondicionais capazes de aguardar, com ansiedade, um disco por mais de uma década. Claro que muitos “fiéis” andaram se rebelando contra o Chinese Democracy, mas ainda assim a base de fanáticos é sólida.

Em tempos que a busca incessante por um “novo Nirvana” (aquela mesma que se iniciou logo após a morte de Kurt Cobain) é cada vez mais intensa, um novo trabalho do Strokes, exatamente 10 anos após o debut da banda, aliado ao pressuposto de que início de década é tempo da sonoridade vigente nos próximos anos se desenhar, ganha ares ainda mais míticos.

É importante deixar claro que, nem por tudo isso, a banda foi “vítima de uma armadilha do destino”. Eles contribuíram também para toda essa expectativa, com músicas vazadas feito conta gotas, capa de disco falsa, contagem regressiva e outras artimanhas do marketing digital.

Machu Picchu abre o disco de um jeito interessante. Inicialmente não se parece com Strokes, mas sensíveis influências do disco solo de Julian Casablanca são perceptíveis. O refrão tem guitarras marcantes, remetendo ao som mais habitual do grupo. Na parte final Julian experimenta timbres vocais diferentes, dando a impressão que a banda está decidida a trilhar novos caminhos.

Primeira música do disco a ser lançada oficialmente, Under Cover Of Darkness é, sem dúvida, a melhor do álbum. Ritmo crescente, refrão contagiante e ótimas guitarras. É uma música bastante eficiente, embora não traga grandes novidades ao som da banda, contrariando o que a primeira do disco acenava.

Two Kinds Of Happiness começa contida e explode em um bom refrão que culmina em solo frenético de guitarra. Faz um bom par com a música anterior. Julian segue experimentando nos vocais em alguns momentos.

You’re So Right é esquisitona com seus efeitos e batidas repetitivas, mas o resultado é interessante. Soa como uma música da (tenebrosa) segunda metade de First Impressions Of Earth que deu certo.

Taken For A Fool começa arrastada, mas no refrão lembra bons momentos do Is This It. Mantém um nível razoável no disco até aqui, apesar das poucas novidades.

No início de Games é quase inevitável conferir se você está ouvindo mesmo Strokes ou se sem querer algo do Alphaville ou similares oitentistas foi parar em sua playlist. A música se encaixaria perfeitamente no disco solo de Julian. Ou seja, é monótona e arrastada. Quebra a boa sequência que vinha se desenhando.

Call Me Back é mais uma música arrastada. O ritmo é quase uma bossa nova, daquelas bem quadradas, que faz gringo achar que tem toda a malemolência do mundo. E não sai disso. É a hora do show em que Fabrizio Morett pode ir tomar uma cerveja, a música não tem bateria.

Gratisfaction já começa chutando o tédio das duas faixas anteriores. É possível notar alguns ecos de Little Joy, mas com guitarras mais vigorosas e um refrão em coro. Traz novas esperanças para o disco.

Metabolism tem sinais de cansaço. O refrão com sílabas esticadas aos poucos martela no ouvido feito um tormento. Parece que a música não vai chegar nunca ao fim (são apenas 3 minutos).

Life Is Simple In The Moonlight, no início, parece que vai fechar o disco na linha preguiçosa da faixa anterior, mas um bom refrão salva a música.

Angles nada mais é do que um disco de regular para fraco, ou seja, é o típico Strokes pós “Is This It”, na descendente. Com algumas experimentações, o que é louvável, mas que parecem não ter tido tempo para serem melhor inseridas no contexto do disco (tempo? Sério? pois é, certamente a pressão pelo lançamento aumentou nos últimos meses. A situação já beirava o ridículo).

A rejeição do album foi grande, mas alguns ainda dizem: “o disco até que é bom, mas nada que justifique tanta espera”. Mas convenhamos, nas atuais circunstâncias, de alguma forma justificaria?

O Rock 'n' Beats publicou ontem que a banda já está voltando ao estúdio para trabalhar em novas ideias. O que resta são os questionamentos sobre os próximos passos – devem arriscar novos experimentos? voltar às origens? - e sobre a longevidade do Strokes: poderão dar um reviravolta na carreira ou o cinismo indie cresceu a galope nos últimos anos não permitindo isso? ou ainda, no caso, é possível a fria constatação de que o momento da banda já passou, não importa o que façam, irão carregar a pecha de ser fruto do longínquo 2001. Só o tempo dirá...

Uma pré-resenha precipitada de The King Of Limbs - Radiohead

2011-02-19T11:44:00.000-08:00

Nem vou perder tempo falando sobre a forma como o disco foi lançado na internet e tudo o mais, vamos para a música.

Tudo que escrevo aqui nesse post é baseado em poucas audições do disco, ou seja, pode ser que tudo mude amanhã, ou depois, ou daqui um mês, um ano.

O disco começa com Bloom, faixa com base inquieta e vários sons sobrepostos. Logo de cara, a música remete a Kid A e Amnesiac, até há uma semelhança, na forma, com "Packt Like Sardines in a Crushed Tin Box". A diferença, no entanto, é que, ao invés da voz de Thom Yorke funcionar como mais um instrumento, como ele mesmo disse na época do lançamento de Kid A, aqui ela se sobressai límpida, coroando o instrumental intrincado, como no disco solo de Thom, The Eraser.

Depois dos 5'15" da primeira faixa (com exceção de Feral, todas passam dos 4 minutos) vem Morning Mr Magpie com uma guitarra marcante, mas não pense em peso, distorção, a linha continua seguindo em uma direção complexa. É uma das músicas que deve funcionar bem ao vivo. Espere mais dancinhas de frango destroncado.

Little By Little segue o caminho das faixas anteriores, talvez um pouco mais "pra cima", dentro dos moldes Radiohead, claro. E a identificação com The Eraser continua. As guitarras, em certos momentos lembram Go To Sleep também. Feral é instrumental, ou quase. Yorke balbucia sons desconexos. A música é toda torta, lembrando The Gloaming, especialmente a linha de baixo, e ainda é par de sons instrumentais do Amnesiac.

Lotus Flower é o single, começa como mais uma canção quebrada do Radiohead, mas quando a voz entra, a melodia já joga o caráter de single na nossa cara (mais uma vez, nos moldes Radiohead). O refrão em falsete começa apontar o album para outras direções.

Como disse, os caminhos vão entortando, ou no caso, endireitando. Codex é uma bela balada levada por um piano com timbres espaciais. A melodia da primeira estrofe derruba toda a tensão das faixas anteriores. Timbres novos vão aparecendo e preenchendo a música até que somem e fica o piano pontuando a voz de Yorke. Tudo muito bonito.

Give Up the Ghost é levada por um violão (sim, eu escrevi violão) e a voz atormentada de Thom Yorke, imersa em efeitos, repetindo "Don't Hurt Me" por toda a música, é o que pontua a faixa. No final a sobreposição da voz em diversas camadas é arrepiante.

A faixa mais longa, Separator (5'20"), fecha o disco. A música é a mais "sóbria" do album, sem maiores complexidades, tensão ou melancolia profunda. Aos poucos vão surgindo coros e guitarras dedilhadas, tudo bastante perceptível. Alguns diriam que é uma das poucas "normais" do disco. No minuto final o som vai ficando nebuloso, mas pouco depois a música, e o disco, terminam.

As músicas que fecham os discos do Radiohead sempre carregam algo a se analisar. Diferem de todo o resto (Blow Out, A Wolf At The Door), ou soam misteriosas (The Tourist, Motion Picture Soundtrack, Life In A Glasshouse), ou coroam o disco feito um single (Street Spirit e Videotape). Separator pode se encaixar nas três categorias: é diferente das anteriores, traz um certo mistério, especialmente no final, e poderia perfeitamente ser um single.

O disco parece separado em lado A e lado B, onde as quatro primeiras são quebradas e tortas. Feral, instrumental, enfia o pé na esquisitice e divide o disco. E as quatro últimas trazem belas melodias e trocam a tensão por melancolia. O "lado A" é um pouco mais uniforme, o "B" aponta para mais direções, mas também tem uma unidade.

The Kings Of Limbs, em geral, mostra o Radiohead mais uma vez enigmático e nos enganando durante a audição. No início, ligamos o disco à fase Kid A/Amnesiac, logo depois vemos que está mais para The Eraser, então surgem ecos do Hail To The Thief, Ok Computer... Até que nosso estoque de associações se esgota e vemos que o Radiohead trouxe, em meio a várias auto-referências, novos caminhos para o próprio som, que talvez demore um pouco para ficarem mais claros.